Style Renaissance

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La Renaissance fut la véritable révolution touchant simultanément les arts, les sciences, la philosophie, l’organisation de la société. Elle débute au début du en Italie. Les idées de la Renaissance se propageront dans de nombreux pays d’Europe, surtout à partir du . Le terme de Renaissance fut utilisé par Vasari au pour désigner la modification de l’art et des modes de pensée au cours des et siècles en Italie. L’Italie, à cette époque, se détourne du Mo
Style Renaissance

La Renaissance fut la véritable révolution touchant simultanément les arts, les sciences, la philosophie, l’organisation de la société. Elle débute au début du en Italie. Les idées de la Renaissance se propageront dans de nombreux pays d’Europe, surtout à partir du . Le terme de Renaissance fut utilisé par Vasari au pour désigner la modification de l’art et des modes de pensée au cours des et siècles en Italie. L’Italie, à cette époque, se détourne du Moyen Âge et prend pour modèle l’Antiquité.

Segmentations en Histoire des l'arts

Italie

En Italie on divise le style renaissance par siècles : Le Quattrocento ou avec la construction de la cathédrale Santa Maria del Fiore à Florence, commencée par Arnolfo di Cambio au XIII s. elle sera finie par Filippo Brunelleschi (1377-1446), et sa chapelle des Pazzi en 1429, mais aussi le palais Médicis (1444-1464) de Bartolomeo di Michelozzo Le Cinquecento commence par une tendance classique dès le début du avec Donato Bramante en architecture et Léonard de Vinci, Raphaël en peinture. Font montre de rigueur mathématique avec un bond en avant sur la perspective et la composition rigoriste et la recherche de la perfection. L'homme devient le mètre-étalon et tout est créé pour lui et sa vision du monde. Les artistes qui leur succéderont estimant que la perfection était atteinte changent de voie et c'est l'apparition de la tendance maniériste beaucoup plus théâtrale, les formes sont exagérées et les décors surchargés ; on parle même de peur du vide. : Segmentations équivalentes aux suivantes en Histoire de l'art italien :
-Première Renaissance (Quattrocento)
-Haute Renaissance (1500-1530)

France

En France, les premières Renaissances (1495-1540) débutent à la fin du , la grande nouveauté est le développement du décor architectural. Le milieu français est prêt à changer de mode de vie, nous choisissons ici la date de 1497 et la construction de la porte de la tour Hurtault au château d'Amboise, considérée comme le premier édifice de style Renaissance. Et se termine par l'école de Fontainebleau sur l'Île-de-France, la galerie François au château de Fontainebleau terminée vers 1549. La deuxième Renaissance française (1540-1589) à partir d'Henri II, les artistes français prennent la relève de leurs confrères italiens et développent un art savant et original, mélange d'antique, de Renaissance italienne et de tradition nationale, jusqu'à la fin de Valois.

Styles précédents ou préexistants

On tourne résolument le dos au Moyen Âge. Bien qu'en apparence on garde certains meubles gothiques, pour leur utilité, les ornements classiques issus de la Renaissance italienne viennent se greffer dessus.

Situation politique et culturelle

C'est l'époque des grands navigateurs qui apporteront de grandes découvertes et de grandes richesses surtout à l'Espagne et au Portugal, grâce à Christophe Colomb qui découvre l'Amérique, Dias qui double le cap de Bonne-Espérance en 1487, Magellan qui fait son premier tour du monde. Gutenberg développe l'imprimerie en 1455, ce qui permet la diffusion des textes, et la diffusion de la culture de la Renaissance à travers toute l'Europe. La religion subit des modifications importantes avec Martin Luther, réformateur religieux allemand, attaque l’Église romaine dont il dénonce les richesses et les ventes des indulgences en 1517. Ce texte marque le début de la Réforme protestante. Ses prises de position entraîneront l’adhésion d’une partie des chrétiens à la Réforme. En Italie, c'est l'instauration du mécénat, les cités-états italiennes sont souvent dirigées par des princes mécènes qui rivalisent pour montrer leur grandeur, ils commandent de nombreuses œuvres. Comme les Médicis à Florence, les doges à Venise, les Sforza et les Visconti à Milan, Este à Ferrare, la papauté à Rome. En France, les états voisins menacent le territoire à la fin du Moyen Âge et remettent en cause l’autorité royale. Le règne de Louis XI (1461-1483) prône l’unité nationale contre la puissance féodale. Les guerres d’Italie entreprises par Charles VIII, Louis XII et François favorisent la propagation de la Renaissance italienne en France. François fait venir des artistes italiens pour construire des châteaux le long de la Loire, puis en Île-de-France avec l'école de Fontainebleau.

Principes

- L’Humanisme : Alors que le Moyen Âge plaçait Dieu au centre des préoccupations, dès le XIV s. en Italie, un nouveau regard se porte sur l’homme et fait naître une renaissance pendant laquelle les artistes font de l’Homme l’objet de leurs recherches esthétiques.
- Retour aux arts de l’Antiquité gréco-romaine : Avec les poètes Pétrarque et Boccace, le mouvement littéraire florentin du XIV s. veut revenir à la pureté des textes. Des penseurs étudient la littérature, l’histoire et la philosophie de l’Antiquité. L’étude des auteurs de l’Antiquité permet d’envisager le monde et la place que l’homme y occupe suivant des schémas nouveaux.
- L’héliocentrisme : Les astronomes comme Copernic, Galilée, … étudient l’univers et aboutissent à la reconnaissance scientifique de l’héliocentrisme : le soleil est au centre du système planétaire et la terre n’est qu’une planète qui tourne autour du soleil.
- L’artiste créateur : L’artiste abandonne le statut anonyme et corporatif médiéval. Il passe de l’homme de métier à l’homme d’idées.

Esthétique

Principales caractéristiques

-on reprend les cinq ordres classiques d'architecture gréco-romaine (dorique, toscan, ionique, corinthien et composite)
-aux colonnes dégagées ou engagées on ajoute les pilastres qui n'ont qu'une fonction décorative.

Ornementation

-La balustre
-Les rinceaux : enroulements d'acanthes contrariées et alternées, plus légers que ceux de l'Antiquité
-Les Putti: angelots ou figures dérivés de Cupidon
-Encadrements architecturaux
-Le tondis ou médaillon
-L'arabesque composition florale symétrique de feuillages légers autour d'un motif central, souvent une tige très fine, un nœud enrubanné, une vasque ou un candélabre.
-Les grotesques : sans symétrie contrairement aux arabesques, elles peuvent comporter des motifs animaliers ou mythiques, elles sont aussi souvent plus légères. En France on parlera plus souvent de grotesques plutôt que d'arabesques.
-Le mascaron
-La coquille

Mobilier

Le mobilier italien emprunte ses formes à l’architecture antique et renaissante : fronton, entablement, colonne, pilastre, arcade, … Les motifs ornementaux sont variés : putti, mascarons, cartouches, cuirs découpés, médaillons, miroirs, guirlandes, rubans noués, entrelacs, corbeilles de fleurs et de fruits, chutes de piastres, …

Meubles courants

- Le coffre était souvent offert à l’occasion des mariages et reste l’essentiel du mobilier. Il porte le nom de cassone en Italie. Le bâti du coffre reste le même qu’au Moyen Âge assemblé par queue d'aronde, mais la façade évolue. Les pinacles sont remplacés par des balustres, insertion de médaillons, de grotesques et d’arabesques, de rinceaux et de coquilles. Décorations de médaillons et de balustres, ainsi que de rinceaux.
-Le cabinet est le meuble de rangement pour objets précieux. Il est composé de deux corps
-Le dressoir
-La table est la copie de la table romaine. Elle est formée d’un plateau rectangulaire supporté par deux pieds extrêmes, ceux-ci sont reliés par une entretoise. Le plateau est souvent orné de marbres et de pierres de couleur. Vers la fin du XVI s., on exécute des tables à 6, 8 ou 9 pieds. Le dessus dissimule deux volets coulissants permettant d’en augmenter la surface (tirettes).

Les Sièges

- La chaise à haut dossier : cette chaise est monumentale, elle possède souvent un fronton. Elle garde un coffre dans son assise mais perd son dais. Le dossier est formé par des planches qui sont jointes sur lesquelles se développe une ornementation. :Applications collées : corniches, plinthes, chapiteaux. :Le fenestrage est remplacé par des rinceaux et le couronnement fait référence aux arts gréco-romains, par un entablement se terminant par une corniche et une architrave. On retrouve souvent, sur la partie haute du dossier, un motif en forme d'écusson ou un miroir sorte de cercle bombé en bois poli.
-La sedia dantesca, fauteuil en X fait de quatre montants qui se croisent deux par deux en formant l'arc brisé du gothique, supporte le siège qui n'est qu'une large sangle de cuir. Un dossier droit, deux accotoirs et deux patins donnaient l'aspect d'un faudesteuil.
-La sedia savonarola, ou fauteuil en tenailles, fauteuil en X issu du faudesteuil médiéval. Constitué de huit montants parallèles affectant un mouvement de contre-courbe formant un arc en accolade. Le dossier caractérisé par une découpe très sinueuse est souvent orné, en son centre par un écusson.

Nouveaux meubles

-Le sgabello : siège mobile tout à fait caractéristique de la Renaissance italienne. Il apparaît dès le XV s. Le sgabello se caractérise par le curieux assemblage de deux planches, légèrement inclinées vers le siège muni d’un dossier trapézoïdal. La décoration de ce siège est faite de mascarons et de volutes de découpures.
-Chaise à bras: le dossier ne dépasse plus la tête, souvent garnie de coussins mobiles, fin du elle sera recouverte de cuir de tapisserie à gros points ou de damas de Naples et même de satin. Au elle prendra le nom de fauteuil sauf à la cour où elle prendra le nom de chaise. souvent associée au Style Henri II.
-Le caquetoire : réservé aux femmes, il a une assise trapézoïdale fixe ou à pivot. Marque un progrès pour le confort, les pieds sont reliés soit par des traverses soit par une seule entretoise en H.
-Le fauteuil à haut dossier : apparaît en Italie durant la première moitié du XVI s. et on en voit très rapidement dans toute l’Europe. Le siège comme le dossier est fait de cuir gaufré, piqué de gros clous dorés. Sous le siège, deux bandeaux sculptés forment la décoration.

Matériaux

Techniques et outillage

-Le garnissage : pour les sièges les surfaces dures en bois naturel seront progressivement remplacées par une garniture de cuir de tapisserie ou de tissu fin. Tendu sur des sangles et rembourré de feutre.
-La marqueterie :Au XIV s., la marqueterie est remise à la mode en Toscane. Le bois de rapport d’une épaisseur de 3 à 5 millimètres est taillé soit au ciseau, soit avec des instruments de sciage, proches des outils du menuisier. Le décor en placage recouvre entièrement un support en bois ordinaire. Les éléments sont découpés, ombrés à la chaleur et ajustés pour être collés sur leur support les uns après les autres. :Le XV s. est une époque importante dans le développement du décor marqueté. À Florence, une école va se créer spécialisée dans le décor marqueté : les Intarsiatoris. :Benedetto da Maiano fut le représentant le plus illustre du procédé à incrustations : l’intarsio.
-Les incrustations (Le tarsia atoppo et tarsia certosina) :Les entrelacs géométriques sont des bandes préparées en bloc et incrustées dans la masse du bois (tarsia atoppo). La représentation d'une ville traitée en perspective, est le sujet préféré des artistes du Nord de l'Italie et est réalisée avant le montage et incrustée ensuite (tarsia certosina).
-Technique « mauresque » :Ils font des incisions profondes que les artisans remplissent de filets de pâte blanc ivoire dits à « la mauresque » ou « mauresque blanche » : cette technique aurait été importée par les Arabes en Italie : Les motifs préférés sont les enroulements de rinceaux très fins.

Ebénistes représentatifs du style

Dans les arts...

Architecture

Le Quattrocento (Italie)

Dès le début du XV s., Filippo Brunelleschi et Leone Battista Alberti proposent de nouvelles conceptions de l’espace.
-Les caractéristiques du Quattrocento sont :
-Emploi des cinq ordres d’architecture gréco-romains : dorique, toscan, ionique, corinthien, composite.
-Aux colonnes engagées et dégagées s’ajoutent des pilastres à fonction décorative.
-Les portes et les fenêtres sont surmontées d’un fronton arqué ou triangulaire.
-Utilisation de plafonds à caissons, ou de voûtes en berceau en caissons, ou de coupoles.
-Le décor sculpté est extrêmement varié et inspiré du décor romain.
-Utilisation de médaillons sculptés, le tondo – les tondis.
-Filippo Brunelleschi (1377-1446) :La construction de la cathédrale Santa Maria del Fiore à Florence : débute par Arnolfo di Cambio au XIII s. et sera finie durant le Quattrocento par Filippo Brunelleschi (1377-1446)
-Il décide de ne pas monter le dôme en un seul bloc mais de relier deux coquilles entre elles, afin qu’elles se renforcent mutuellement. Les grandes nervures servant de raidisseurs.
-Importance de la lisibilité de l’espace par une architecture rationnelle où tous les éléments sont définis a priori. Les rapports proportionnels entre ces éléments architecturaux sont clairement établis.
-Importance d’unité : le volume clair de la coupole, les lignes et les couleurs sont en harmonie avec celles des tuiles ocres garnissant les toits alentours.
-Calcul mathématique : La beauté de l’architecture doit résulter du rapport ordonné de chaque élément avec l’ensemble.
-Il prend comme échelle les proportions du corps humain. : Dans la chapelle des Pazzi (1429), Brunelleschi exploite l’opposition entre le crépi blanc et une pierre sombre (la pietra serenapietra serena : une roche gris foncé, un micaschiste, dont la dureté relative permet la réalisation de colonnes monolithiques, a contrario de la pietra forte, pierre détritique, de grès micacé pour les églises et les palais comme les bossages du Palais Pitti.). Cette pierre dessine de longues nervures sur les lignes qui correspondent à l’intérieur aux membres de la bâtisse et souligne son articulation. : De l'Antiquité il reprend , l'arc en plein cintre, la coupole et les chapiteaux : Par contre il y a comme nouveauté, les médaillons en terre cuite ou Tondo et les piliers qui ne jouent qu'un rôle décoratif.
-Bartolomeo di Michelozzo (1396-1472) Le palais des Médicis, 1444-1464 Michelozzo est un disciple de Brunelleschi. Il adapte les principes architecturaux de son maître à des bâtiments laïques. La construction d’immeubles civils est importante grâce à la situation économique favorable de l’époque. Le palazzo, est une maison de négoce d’un marchand. Il peut servir de bureau et d’entrepôt. Michelozzo s’influence de l’architecture religieuse pour la décoration de son palais, mais il accorde de ce fait l’importance à la décoration : arcades, encadrements de fenêtres (repris des fenestrages gothiques), colonnettes, arc en plein cintre (décoratif) …
-Leone Battista Alberti (1404-1472) Cet architecte apparaît comme le théoricien renaissant. Il sépare la conception de l’exécution. Pour lui, l’essentiel réside dans l’idée et dans les plans qui la traduisent. Le beau devient la valeur suprême d’un ensemble esthétique. La perspective est l’élément fondamental dans l’art de concevoir un bâtiment. (ex : Église San Andrea, Mantoue, XV s.)

Le Cinquecento

La tendance classique Bramante (1444-1514) Le style classique naît dès les premières années du XVI s. Afin de rendre à la ville son visage glorieux, les architectes imitent l’urbanisme et les édifices de l’époque romaine et paléochrétienne, depuis les plans jusqu’aux techniques de construction, qu’ils adaptent aux besoins modernes. Les emprunts à l’Antiquité étaient récurrents au XV s., mais ils restaient partiels. Au cours du XVI s., l’influence sera beaucoup plus radicale : tous les éléments sont puisés dans l’architecture antique et obéissent à ses règles. :Ex : Tempietto San Pietro in Montorio, 1503, il s’agit d’un petit temple rond d’aspect très classique, son plan est en croix grecque, surmonté d’une coupole. Les colonnes sont toscanes, la frise avec métope et triglyphes, les colonnes forment un péristyle. :Comme nouveautés on distingue, l’ornementation de coquilles, les balustres. La tendance maniériste Loin de la rigueur de Bramante, les éléments architecturaux sont utilisés avec une plus grande profusion, dans un souci d’ornementation complexe qui fait de la surface décorée un espace presque théâtral. Palladio (1508-1580) travaille essentiellement en Vénétie. Il jouit depuis le XVI s. de la réputation des architectes des Temps modernes. Ex : La Villa Capra dite « La Rotonda », près de Vicenza, la forme de base est le carré avec intégration d’une croix à quatre branches équivalentes. L’édifice extérieur rappelle le temple grec, où toutes les façades sont égales et semblent comporter chacune une entrée. Mais, chaque façade est la reprise d’une façade de temple romain (style Maison carrée de Nîmes) dans lequel s’imbrique le volume cubique du Panthéon de Rome. Des statues accentuent l’effet d’ensemble. Giulio Romano (1499-1546) Il est l’un des grands représentants du maniérisme. Disciple de Raphaël, Giulio rencontre le futur duc de Mantoue, Frédéric de Gonzague. Celui-ci possédait une terre appelée Te située au milieu d’une prairie. Il demande à Romano d’y élever son palais. Le palais, construit et décoré par Romano, est un chef-d’œuvre maniériste. Il crée un bouleversement dans l’ordonnance des décors : l’écartement des fenêtres n’est pas régulier. Romano installe la confusion et l’instabilité, qui produisent un certain trouble chez le spectateur.

Peinture

-Masaccio (1401-1428) Avec l’Humanisme, on place l’homme au centre des préoccupations. Ce qui importe est la manière dont l’homme regardera ce tableau. L’homme devient la mesure de référence. La perspective doit donc respecter les lois physiques du monde, et l’association entre la lumière et l’ombre des corps. Masaccio veut représenter dans le tableau la réalité « objective ».
-Piero della Francesca (1416-1492) Piero Della Francesca se passionne pour les traités de Vitruve, penseur latin du I s., qui développe dans ses écrits l’art de la raison, le sens de la mesure et de l’équilibre. La peinture exige l’adéquation entre la vision de l’image peinte et celle des objets dans l’espace. Ce principe se traduit par les diminutions de taille des objets qui sont éloignés. Piero della Francesca fera des études sur le réalisme visuel et la perspective linéaire. ex : La flagellation du Christ, 1477-9, Urbino.
-Léonard de Vinci (1452-1519) En 1504, il s’installe à Florence. Il assimile des nouveautés graphiques comme les clairs-obscurs et le sfumato. Il s’agit d’un principe de perspective qui donne aux formes un aspect flou si elles sont éloignées. Le dessin prime sur la couleur. ex : La Joconde, 1503, Paris, Musée du Louvre.
-Raphaël (1483-1520) De 1504 à 1508, il peint de nombreuses madones à l’enfant. Il base sa composition sur le message qu’il veut faire passer : l’amour maternel. ex : La Vierge au chardonneret, 1507, musée des Offices de Florence Importance des compositions claires basées sur des formes géométriques, comme le triangle. Ces compositions donnent un effet de stabilité.
-Pondormo Peintre maniériste. L’objectif est de choquer et de toucher le spectateur. Les peintres maniéristes déforment les corps des personnages. Les corps sont complètement disproportionnés. Ils défigurent les personnages par des expressions excessives. ex : La déposition de croix, 1520

Sculpture

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Notes et références

Bibliographie

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