Mode (musique)

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En musique, un mode d'une gamme est la représentation de cette gamme en fonction de son axe tonal. Un mode comporte les mêmes notes que la gamme dont il est issu mais a une sonorité qui lui est propre, caractérisée par une tonique et par les intervalles entre cette tonique et les autres notes. Par exemple, au lieu de considérer la gamme de do majeur à partir de la note do - do ré mi fa sol la si, avec pour formule d'intervalles : 1 ton - 1 ton - 1/2 ton - 1 ton -
Mode (musique)

En musique, un mode d'une gamme est la représentation de cette gamme en fonction de son axe tonal. Un mode comporte les mêmes notes que la gamme dont il est issu mais a une sonorité qui lui est propre, caractérisée par une tonique et par les intervalles entre cette tonique et les autres notes. Par exemple, au lieu de considérer la gamme de do majeur à partir de la note do - do ré mi fa sol la si, avec pour formule d'intervalles : 1 ton - 1 ton - 1/2 ton - 1 ton - 1 ton - 1 ton - 1/2 ton - on peut choisir de déplacer l'axe tonal sur la deuxième note et obtenir une nouvelle tonalité (ré) ainsi qu'une nouvelle formule d'intervalles (1 ton - 1/2 ton - 1 ton - 1 ton - 1 ton - 1/2 ton - 1 ton), et cela en conservant les mêmes notes (ré mi fa sol la si do).

La musique modale

En théorie la musique modale est une musique qui a recours aux échelles modales. On dit parfois qu'elle s'oppose à la musique tonale, qui comporte (ou sous-entend) une harmonie. Mais la réalité est plus compliquée que cela. En fait cette conception se réfère au modèle de la musique modale ancienne qui en effet était de nature monodique. Mais si la modalité a été abandonnée à la fin de la Renaissance pour laisser place au systeme tonal, elle a été redecouverte à la fin du XIXe siècle. Une pratique moderne qui est complètement différente de la pratique modale ancienne. Il est très important de distinguer les différentes pratiques modales distinctes.
-la pratique ancienne
-La pratique moderne Si la pratique modale ancienne s'oppose dans sa conception à la musique tonale classique stricte, il est important de préciser cependant que la musique de la Renaissance mélait sans aucun problème tonalité et modalité. Quant à la pratique moderne de la modalité, elle ne s'oppose pas en soi à la tonalité. Elle constitue au contraire une extension de la tonalité.

La musique modale ancienne

C'est l'utilisation de la musique modale dans le plain-chant et dans la musique profane du Moyen âge. La musique modale est avant tout une monodie ornée. Dans la musique profane, la monodie était parfois accompagnée rythmiquement ou soutenue par un bourdon (note fixe tenue). Le raffinement peut être tout aussi complexe qu'en musique tonale, mais existera par des nuances d'inflexion des hauteurs, par des jeux d'ornements, ou par des séquences rythmiques très longues, alors qu'en musique tonale c'est l'enchaînement des accords créant l'harmonie (ou bien encore le tissage des voix créant un contrepoint) qui différencie la complexité. Néanmoins la musique modale a évolué au cours du Moyen âge et a été utilisée ensuite au sein de structures contrapuntiques de plus en plus complexes. À la Renaissance, la modalité et la tonalité pouvaient cohabiter dans l'harmonie. À vrai dire à l'époque il n'y avait pas cette distinction encore entre tonal et modal. C'est à la fin de la Renaissance que les modes sont tombés en désuétude pour ne plus privilégier que deux seuls modes: le mode majeur et le mode harmonique mineur. Les modes ont été ensuite plus ou moins oubliés pendant plusieurs siècles.

La musique modale moderne

La pratique modale moderne apparaît au cours du XIXe siècle, avec le regain d'intérêt pour le plain-chant et une volonté de trouver un moyen de les harmoniser. La pratique modale moderne ne s'oppose à la musique tonale que dans son acception la plus restreinte, à savoir la musique tonale classique (s'appuyant exclusivement sur le mode majeur et mode mineur harmonique mineure.) Mais la pratique modale moderne, parfois dite harmonie modale, ne s'oppose pas en soi à la musique tonale, mais au contraire tend plus à élargir le concept de la musique tonale, en assouplissant certaines de ses règles et en élargissant ses possibilités harmoniques. De nos jours la modalité harmonique fait partie intégrante de ce qu'on appelle la musique tonale (dans son acception élargie et moderne).

Création d'une atmosphère musicale

Le mode désigne une atmosphère musicale particulière - on parle aussi de « couleur modale », qui résulte de l'utilisation privilégiée de certaines notes plutôt que d'autres, ou bien de certains intervalles plutôt que d'autres. Dans les musiques utilisant beaucoup les modes telles que le râga indien ou les musiques chinoise et arabe, un mode ne se restreint pas à un choix de notes, c'est vraiment une atmosphère particulière. Par exemple, en musique indienne, certains modes sont appropriés à une heure particulière de la journée. Les tournures mélodiques, les ornements participent aussi au mode, voire même le thème littéraire de la pièce. Dans la musique occidentale, la finesse des intervalles s'est perdue au moment de l'utilisation massive du tempérament égal, qui a permis de jouer dans toutes les tonalités sur les claviers (que l'on pourrait situer dans la première moitié du ). Dès lors les modes se sont réduits à une succession de notes, perdant un peu de leur spécificité. De plus les modes ecclésiastiques (issus du chant grégorien), en usage jusqu'au , ont progressivement laissé la place à deux modes principaux, le majeur et le mineur, probablement plus adaptés à la tonalité. La fin du XIXe siècle, et surtout le , ont vu réapparaître des modes plus complexes dans la musique savante écrite occidentale, puis dans le jazz.

Les modes diatoniques (ou modes naturels)

Présentation des modes diatoniques

Il existe sept modes contruits à partir de chaque note de l'échelle diatonique. Echelle diatonique que certains théoriciens (notamment de jazz et de rock) tendent à confondre à tort avec la gamme majeure. Même si d'un point de vue structurel il s'agit de la même chose. Il est important de clarifier un point théorique qui tend en effet souvent à être mal compris : Le terme "échelle" désigne une série limitative de sons disponibles (et n'est pas forcément dépendante d'une finale précise). Dans le cas de l'échelle diatonique, il s'agit de la série de sons do, ré, mi, fa, sol, la et si. Le terme "mode" (ou parfois à tort "gamme") quant à lui désigne une organisation scalaire sur une échelle donnée à partir d'une finale et en fonction d'un modèle d'agencement des intervalles. Ainsi le terme "gamme majeure" est-il un raccourci usuel pour désigner en réalité la gamme de do en mode de do sur une échelle diatonique (c’est-à-dire la tonalité de do en mode majeur classique): 1 ton - 1 ton - 1/2 ton - 1 ton - 1 ton - 1 ton - 1/2 ton Ce qui coïncide effectivement avec la représentation usuelle de l'échelle diatonique mais qui n'est pourtant pas la même chose en terme théorique.

L'usage erroné de noms grecs pour les modes

On constate fréquemment l'usage erroné de noms grecs faisant référence au système musical de la Grèce antique pour désigner chacun de ces modes. Et même si l'emploi de ces noms s'est plus ou moins généralisé, ces noms grecs sont musicologiquement et historiquement faux. Le problème de ces noms, c’est qu’outre le fait qu’ils soient apocryphes, ils sont trompeurs en ce qu’ils laissent croire que les modes que nous utilisons de nos jours sont les mêmes que ceux utilisés dans l’Antiquité, ce qui est faux. Certes cela n’a pas une grande importance en termes pratiques pour les musiciens, théoriciens et compositeurs qui s’en tiennent seulement à l’usage de modes modernes, mais cela en a beaucoup plus pour les musicologues et les historiens. Les appellations IONIEN, DORIEN, PHRYGIEN, LYDIEN, MIXOLYDIEN, ÉOLIEN et LOCRIEN respectivement appliqués de nos jours aux modes diatoniques modernes (de do à si) proviennent du Dodecachordon d'Heinrich Glaréan (1547). Ils sont tous historiquement faux. Pour plusieurs raisons:
- Ces échelles ne correspondent pas à un héritage direct de la Grèce antique, bien que les noms, eux, le soient. En effet, le concept de mode moderne que nous utilisons de nos jours ne correspond absolument pas à celui des modes de la Grèce antique d’où ces noms sont tirés. Donc les modes actuels qu’on désigne sous le nom de lydien, ionien, etc. n'ont rien à voir avec ceux que les Grecs pratiquaient jadis. En principe, la notion de mode dans la musique de la Grèce antique correspond aux différents accordages de la lyre. Rien à voir donc avec l’organisation diatonique d’une série d’intervalles sur une échelle chromatique comme nous l'envisageons de nos jours. Le système dans la Grèce antique était tétrachordal, donc rien à voir non plus avec nos échelles de sept sons.
- Les théoriciens de la musique médiévale ont mélangé les noms grecs et les échelles censés correspondre, en interprétant mal un texte de Boèce (un érudit du VIe siècle) qui lui-même s’est mis à désigner par des noms grecs les modes antiques selon les écrits d' Aristote sans qu’on soit vraiment sûr que cela corresponde à la pratique grecque antique réelle.
- Et l’erreur s’est entérinée à la Renaissance avec Glaréan, cité plus haut, qui ajouta aux 4 modes grégoriens (et leur formes plagales), les modes dits Ionien et Eolien et leur formes plagales. D’où un mélange complet des noms. Donc ce qu’on nomme de nos jours « éolien » devrait s’appeler « hypodorien » par exemple.
-D’autre part, pour rajouter à la confusion, outre la typologie de Glaréan, :IONIEN(=do), DORIEN(=ré), PHRYGIEN(=mi), LYDIEN(=fa), MIXOLYDIEN(=sol), ÉOLIEN(=la), LOCRIEN(=si). :on relève une autre appellation fréquente dans de nombreux ouvrages théoriques du début du XXe siècle. Ces derniers reprennent la typologie de Geavert : :LYDIEN(=do), PHRYGIEN(=ré), DORIEN(=mi), HYPOLYDIEN(=fa), HYPOPHRYGIEN(=sol), HYPODORIEN(=la), MIXOLYDIEN(= si) A cause de toutes ces confusions la musicologie moderne préfère parler de mode de do plutôt que de mode ionien par souci d’exactitude. Même si tout le monde comprend de quoi il s’agit quand on dit ionien. Il est préférable d'appeler ces modes sous l'appellation mode de (à ne pas confondre avec la désignation des tonalités: gamme de ) Mais il est vrai que ces noms grecs sont tellement enracinés dans l’usage, que de nos jours il est difficile de faire sans. D’autant plus que ces noms sont en plus pratiques. Comme le souligne Chailley, (qui pourtant était un des premiers à mettre le doigt sur l’inexactitude historique de ces noms), il est plus facile et tellement plus simple de parler d’un « la lydien » que de dire « une gamme de « la en mode de fa. ». D’où le fait qu’on ait tendance à privilégier ces appellations même si elle sont fausses. (Outre la méconnaissance fréquente de cette réalité historique).

Structure des modes diatoniques

- I. Le mode de do (souvent désigné sous le nom discutable de ionien). Il s'agit tout simplement du mode majeur classique Intervalles : 1 ton - 1 ton - 1/2 ton - 1 ton - 1 ton - 1 ton - 1/2 ton
- II. Le mode de ré (souvent désigné sous le nom discutable de dorien) Intervalles : 1 ton - 1/2 ton - 1 ton - 1 ton - 1 ton - 1/2 ton - 1 ton
- III. Le mode de mi (souvent désigné sous le nom discutable de phrygien ) Intervalles : 1/2 ton - 1 ton - 1 ton - 1 ton - 1/2 ton - 1 ton - 1 ton
- IV. Le mode de fa (souvent désigné sous le nom discutable de lydien) Intervalles : 1 ton - 1 ton - 1 ton - 1/2 ton - 1 ton - 1 ton - 1/2 ton
- V. Le mode de sol (souvent désigné sous le nom discutable de myxolydien ) Intervalles : 1 ton - 1 ton - 1/2 ton - 1 ton - 1 ton - 1/2 ton - 1 ton
- VI. Le mode de la (souvent désigné sous le nom discutable déolien ) Il s'agit tout simplement de la gamme mineure naturelle (sans altération) et il peut aussi être identifié à la gamme mineure mélodique descendante) Intervalles : 1 ton - 1/2 ton - 1 ton - 1 ton - 1/2 ton - 1 ton - 1 ton
- VII.
Le mode de si (souvent désigné sous le nom discutable de locrien ) Intervalles : 1/2 ton - 1 ton - 1 ton - 1/2 ton - 1 ton - 1 ton - 1 ton

Utilisation en musique classique moderne

La musique classique moderne a été l'instigatrice de l'usage moderne des modes au cours du XIXe siècle. Les compositeurs de la fin du XIXe siècle sont venus de plus en plus à affectioner l'usage de modes, car ils connotaient pour eux des couleurs anciennes liées à l'antiquité et au Moyen âge ainsi qu'au patrimoine populaire. Ce qu'on entend par usage moderne, c'est l'emploi d'échelles modales au sein de structures harmoniques (adaptées à la couleur et la specificité propres de ces modes, car construites à partir même de ces modes). Les premiers compositeurs notoires à avoir tenté des essais de composition avec des échelles modales sont les élèves de Reicha: à savoir Berlioz, Liszt, Charles Gounod et César Franck. L'usage d'harmonies modales est même systématisé à l'école Niedermeyer qui vise à enseigner l'harmonisation des mélodies grégoriennes. École d'où sortira notamment Gabriel Fauré qui sera l'un des principaux compositeurs à populariser l'usage d'harmonies modales. Ensuite l'usage s'est largement étendu à la fin du XIXe siècle pour devenir totalement commun vers les années 1920.

L'harmonie modale dans la musique classique moderne

Le fonctionnement de l'harmonie modale dans la musique classique moderne vise à répondre à la logique classique de cohérence homogène entre la mélodie et l'harmonie qui la soutient : A partir d'un mode donné, on déduit une suite d'accords adaptés aux couleurs spécifiques de ce mode. Pour faire face au fait que les mélodies grégoriennes ne contiennent pas de sensibles, on a développé une nouvelle harmonie ne s'appuyant plus sur la dynamique sensible-tonique ou sur les degrés harmoniques forts classiques. La particularité de l'usage d'une harmonie modale, étant notamment le déplacement des degrés forts et souvent la suppression de la dynamique sensible-tonique classique chère à l'harmonie tonale classique (c’est-à-dire non-moderne). Ainsi un degré fort de l'harmonie tonale comme le V degré devient-il un degré faible dans les modes sol, la ou encore . Ce V degré devenu mineur et sans sensible n'a plus la force d'attraction qu'il avait dans le mode majeur ou le mineur harmonique. Parallèlement des degrés considérés jusqu'à lors comme faibles tels que le IIIeme ou le IInd degré dans la musique tonale peuvent devenir des degrés forts dans la musique modale: exemple le second degré dans le mode de mi (dit "phrygien"). Dans la pratique, il était fréquent que les compositeurs mélangent l'emploi de plusieurs modes dans un même morceau. C'était une spécialité de Fauré, qui mélangeait fréquemment modal et tonal (classique) parfois dans une même phrase par des altérations subtiles d'une note ou d'enchaînements d'accord.

Utilisation en jazz

Les modes constituent une ressource essentielle au niveau mélodique dans le jazz modal où les musiciens, tout en restant sur un même accord, improvisent en exploitant différents modes d'une même tonalité. Mais sur le plan théorique, le jazz modal tout particulièrement a une conception peu orthodoxe de l'emploi des modes en regard de la théorie traditionnelle de la musique tonale: En effet, au lieu d'utiliser un seul mode "matrice" et d'en dériver l'harmonie adéquate, le jazz fait l'inverse: Il déduit ses modes à partir de la couleur de son harmonie, et utilise un mode différent pour chaque accord plaqué. Cela s'explique notamment par le fait que le jazz modal emploie des accords "de couleur" et non des accords d'harmonie fonctionnelle (comme c'est le cas dans l'harmonie tonale classique). Et sans cohésion tonale d'ensemble, il requiert par conséquent un mode différent à chaque accord pour que la mélodie s'insère correctement à chaque couleur d'accord spécifique rencontré. Chaque basse d'accord constituant une sorte de tonique/finale pour un mode au niveau de la mélodie. Usage qui l'oppose totalement à la conception tonale de la musique classique en termes théoriques.

Utilisation dans le rock

En général le mode de la (dit « éolien ») est très fréquent dans le rock et le heavy metal. Il est à la base de progressions harmoniques typiques du genre : I-VI-VII par exemple.(exemples: Hallowed be thy Name de Iron Maiden, Breaking the Law de Judas Priest ou encore Princess of the Dawn de Accept) D'une façon générale, même si peu sont au fait des considérations théoriques de cohérence de l'harmonie, les musiciens de rock et de musique populaire tendent à appliquer (intuitivement) plus ou moins les principes d'harmonie modale établies jadis par la musique classique moderne. il y a une symbiose entre l'harmonie modale d'ensemble et une échelle mélodique employée. Mais certains groupes de rock inspirés par le jazz (ou du moins sa théorie) tendent à développer certaines applications modales specifiques au jazz. Certains guitar heroes tout particulièrement qui ont souvent étudié la théorie à partir de bases jazz tendent donc au contraire à envisager l'emploi des modes "accord par accord" comme le fait le jazz. Cela est tout particulièrement marquant dans le fait qu'ils n'envisagent très souvent les modes que sous un aspect exclusivement mélodique. Au niveau mélodique, de nombreux guitaristes de rock utilisent les modes lors de leurs solos. Le mode de ré (dit « dorien ») est une composante essentielle du style de Carlos Santana. Joe Satriani et Steve Vai exploitent avec bonheur le mode de fa et Kirk Hammett (Metallica) est un adepte du mode de mi.

Les modes altérés

Les modes altérés sont très nombreux. On tend à les appeler ainsi par opposition aux modes diatoniques dits "modes naturels" et parce qu'ils sont souvent vus comme étant des modes naturels dont on a altéré une ou plusieurs notes. Théoriquement, ils peuvent être construits à partir d'échelles prenant pour modèle la structure de la gamme mineure ascendante ou encore la gamme mineure harmonique mineure

Modes déduits du modèle de la gamme mineure mélodique (forme ascendante)

La gamme mineure mélodique a été utilisée bien avant le grand retour des modes et la théorisation moderne des modes. Bach déjà en faisait un usage très fréquent dans ses compositions contrapunctiques. Mais cette échelle n'était pas encore envisagée comme un mode dans le sens où on l'entend aujourd'hui dans la pratique tonale moderne. D'autre part, cette échelle à l'origine se distingue des autres en ce que tous ses degrés ne sont pas fixes. Son 6 et son 7 degré étant mobiles (selon que la forme est ascendante ou descendante). L'usage moderne permet d'utiliser la forme ascendante comme un mode à part entière. Ce mode peut être interprété aussi comme une altération du mode de la (mineur naturel) au niveau de ses 6 et 7 degrés degrés. Cette forme modale obtenue se distingue du mineur mélodique traditionnel, en ce que ses 6 et 7 degrés sont fixes et ne sont pas tenue par la régle classique de mouvement obligé entre ces deux degrés. Et il peut être utilisé aussi bien de façon ascendante que descendante. Une catégorie de modes modernes altérés se construit à partir du modèle de sa forme ascendante.

Structure des modes

- I. Le mode mineur mélodique (identique à une gamme mineure mélodique ascendante) Intervalles : 1 ton - 1/2 ton - 1 ton - 1 ton - 1 ton - 1 ton - 1/2 ton
- II. Le mode de ré à seconde mineure (souvent désigné sous le nom discutable de
mode dorien ♭9) Intervalles : 1/2 ton - 1 ton - 1 ton - 1 ton - 1 ton - 1/2 ton - 1 ton Il peut aussi être vu comme la rencontre du premier tétracorde du mode de mi avec le second tetracorde du mode de ré
- III. le mode de fa à quinte augmentée (souvent désigné sous le nom discutable de
mode lydien augmenté) Intervalles : 1 ton - 1 ton - 1 ton - 1 ton - 1/2 ton - 1 ton - 1/2 ton
- IV. Le mode acoustique ou mode de Bartok (souvent désigné sous le nom discutable de
mode lydien dominant) Intervalles : 1 ton - 1 ton - 1 ton - 1/2 ton - 1 ton - 1/2 ton - 1 ton Comme le soulignait la célèbre théoricienne Françoise Gervais ce mode correspond également à un mode exotique employé dans la musique occidentale, le mode hindou Vaschaspati
- V. le mode majeur-mixte ou mode de sol à sixte altérée (souvent désigné sous le nom discutable de
myxolydien ♭13) Intervalles : 1 ton - 1 ton - 1/2 ton - 1 ton - 1/2 ton - 1 ton - 1 ton Ce mode appelé "mode majeur-mixte" par Françoise Gervais, peut être vu aussi comme la rencontre d'un tétracorde d'une gamme majeure et le second tetracorde d'un mode de la (dit "éolien")
- VI. Le mode de si à seconde majeure ou mode de la à quinte diminuée (souvent désigné sous le nom discutable de
locrien ♯9 ou éolien ♭5) Intervalles : 1 ton - 1/2 ton - 1 ton - 1/2 ton - 1 ton - 1 ton - 1 ton
- VII. Le mode de si à quarte diminuée(souvent désigné sous le nom discutable de
super locrien) Intervalles : 1/2 ton - 1 ton - 1/2 ton - 1 ton - 1 ton - 1 ton - 1 ton

Utilisation dans le classique

La gamme mineure mélodique était utilisée bien avant l'usage des modes. Mais l'usage moderne de la forme ascendante en tant que mode à part entière a été pratiqué au début du XXe siècle notamment par Fauré. Le mode majeur-mixte (dit mixolydien ♭13) en classique a été aussi utilisé notamment par Gabriel Fauré (exemple "
Ce sera par un clair jour d'été"-La bonne chanson) et on en trouve même des exemples précoces dans l'histoire de la musique chez Schubert. Debussy utilise le mode acoustique (dit "lydien dominant") notammnent dans la Mer. Mais c'est certainement Bartok qui en a fait l'usage le plus notoire . D'où le fait qu'on lui ait souvent donné le nom de mode de Bartok.

Utilisation dans le jazz

Cette forme de l'échelle et les modes déduits de celle-ci sont souvent utilisés dans le jazz. Le mode acoustique(dit lydien dominant) est très prisé des musiciens de jazz-rock fusion.

Utilisation dans le rock

Hormis dans les styles dit progressifs, ces modes sont rarement utilisés dans le rock et le heavy-metal.

La gamme mineure harmonique et les modes déduits de son modèle d'échelle

La gamme harmonique mineure a été utilisée bien avant le grand retour des modes et la théorisation moderne des modes. À l'époque classique où seuls deux modes étaient employés (majeur et mineur). Cette gamme constituait le pendant mineur du mode majeur. Le mode mineur naturel (ou mode de la dit eolien) étant totalement ignoré à cette époque, c'est la gamme harmonique mineure qui était principalement utilisée dans toute la production classique ancienne. Même si parfois on avait recours à la gamme mineure mélodique dans les compositions contrapunctiques. Cette gamme était privilégiée à l'époque du fait qu'elle permettait de transposer au mode mineur la relation sensible-tonique du mode majeur essentielle aux yeux des compositeurs classiques. C'est pourquoi son emploi au sein d'une structure harmonique déduite de celle-ci tend à connoter souvent une couleur classique traditionnelle. Depuis beaucoup de théoriciens du jazz et de rock tendent à envisager indifféremment la gamme harmonique mineure comme un mode parmi d'autres plutôt que comme le mode mineur par excellence comme le font encore les théoriciens du classique. Mais l'approche moderne des modes (tout particulièrement dans le jazz) a exploité la disposition d'échelle spécifique de la gamme harmonique mineure pour en déduire de nouveaux modes à partir d'autres finales sur l'échelle. Ce qui donne 6 autres nouveaux modes. Ces nouveaux modes n'ont pas de noms officiels mis à part l'emploi de termes grecs dérivés .
- I. Le mode mineur harmonique (identique à une gamme mineure harmonique) Intervalles : 1 ton - 1/2 ton - 1 ton - 1 ton - 1/2 ton - 3/2 tons - 1/2 ton
- II. Le mode appelé sous le nom discutable de locrien ♯13 (ou mode locrien ♭6) Intervalles : 1/2 ton - 1 ton - 1 ton - 1/2 ton - 3/2 tons - 1/2 ton - 1 ton
- III. Le mode appelé sous le nom discutable de ionien augmenté Intervalles : 1 ton - 1 ton - 1/2 ton - 3/2 tons - 1/2 ton - 1 ton - 1/2 ton
- IV. Le mode appelé sous le nom discutable de dorien ♯11 Intervalles : 1 ton - 1/2 ton - 3/2 tons - 1/2 ton - 1 ton - 1/2 ton - 1 ton On tend parfois à rapprocher ce mode de la gamme tzigane à cause de la place de la seconde augmentée qui se trouve sur les même degrés que la gamme tzigane. Mais la vraie gamme tzigane s'en distingue dans le fait que celle-ci est caractérisée par une double seconde augmentée.
- V. Le mode appelé sous le nom discutable de phrygien ♯3 (assimilé parfois faussement au mode andalou ou oriental) Intervalles : 1/2 ton - 3/2 tons - 1/2 ton - 1 ton - 1/2 ton - 1 ton - 1 ton Même si ce mode présente les caractéristiques du mode andalou, il s'en distingue en ce que ses degrés sont fixes, tandis que le mode andalou tel qu'il est utilisé dans la musique traditionnelle se caractérise par la mobilité de ses 3 et 7 degrés. Elle est aussi souvent confondue à tort avec la gamme orientale du fait de la place de sa seconde augmentée caractéristique. Mais elle s'en distingue dans le fait que la vraie gamme orientale est constituée de deux secondes augmentées et une sensible ascendante au 7 degré. Contrairement à ce mode dont le 7 degré est une sous-tonique à distance de seconde majeure de la tonique.
- VI. Le mode appelé sous le nom discutable de lydien ♯9 Intervalles : 3/2 tons - 1/2 ton - 1 ton - 1/2 ton - 1 ton - 1 ton - 1/2 ton
- VII. Le mode appelé sous le nom discutable de superlocrien ♭♭7 Intervalles : 1/2 ton - 1 ton - 1/2 ton - 1 ton - 1 ton - 1/2 ton - 3/2 tons

Utilisation dans le classique

La gamme harmonique mineure est la gamme mineure par excellence du classique. Elle fut presque exclusivement utilisée dans la musique classique du XVI au XIXe siècle, jusqu'au retour de l'emploi d'autres modes à la fin du XIXe siècle. On évitait par contre de faire entendre sa seconde augmentée. En cas d'enchaînement des trois derniers degrés de la gamme, on préférait alors l'emploi du mineur mélodique ascendant ou descendant en fonction de la direction du mouvement mélodique. En revanche les modes dérivées de son modèle d'échelle ont peu été utilisés dans la production moderne classique. On peut noter un exemple célèbre de l'usage du dorien ♯11 dans la première Gnossienne de Satie

Utilisation dans le rock

La gamme harmonique mineure est particulièrement affectionée dans le rock progressif et chez les guitaristes de hard rock influencés par la musique classique tels que Yngwie Malmsteen. Car son emploi connote une couleur typiquement classique. En revanche les modes dérivés sont peu utilisés. Excepté le mode dit phrygien ♯3
qui est très largement utilisé dans la musique populaire à la place de la gamme orientale. La musique populaire confondant très souvent les deux à cause de leurs sonorités très proches, elle a souvent tendance à utiliser le phrygien ♯3 pour connoter des ambiances orientales ou antiques : exemple Rise of Sodom and Gomorrah de Therion ou encore Follow the Cry de After Forever. D'autres groupes de rock et de metal l'utilisent également dans d'autres contextes, Offspring (Come Out and Play)" ou encore Accept (Metal Heart (solo), Lay it Down on Me (intro) notamment), Lacuna Coil (Heir of a Dying Day)

Utilisation dans le jazz

La gamme et ses modes dérivés sont très populaires dans le jazz.

Les modes exotiques

Outre les modes constitués à partir du modèle de gammes traditionnelles de la musique occidentale, il existe de nombreuses autres échelles d'où peuvent être déduits des modes. Notamment les modes dits "exotiques" dans la théorie musicale occidentale. De nombreuses traditions musicales d'autres pays s'appuient en effet sur des échelles originellement inconnues du langage occidental classique.Il va de soi que pour ces cultures ces echelles n'ont aucunement un caractère "exotique". Mais ils ont fini par susciter l'intérêt des musiciens occidentaux qui les ont adaptés au langage tonal, pour créer de nouvelles couleurs ou pour les utiliser à des fins d'évocation exotique dans leur musique. Les premières gammes exotiques à être adaptées dans le langage tonal classique furent l'échelle à double seconde augmentée et les gammes pentatoniques. La première fut utilisée des les années 1840 par Liszt et Glinka. Quant à la gamme pentatonique , on en relève un exemple dès 1828 chez Chopin vraisemblement influencé par le folklore polonais dans la krakowiak. Mais on en trouvera par la suite de nombreux exemples précoces chez Lizst.

L'échelle à double seconde augmentée

Cette échelle est la plus employée en matière d'exotisme. En effet, elle est présente dans différentes cultures (musique arabe, hindoue, russe, hongroise, roumaine, espagnole) selon les formes modales qu'elle prend. C'est pourquoi on a tendance à la désigner sous le nom de "gamme exotique". Le terme "échelle à seconde augmentée" vient du fait que cette échelle se caractérise par un intervalle de seconde augmentée dans chacun des tétracordes qui constitue l'octave. les deux formes principales de cette échelle sont la gamme orientale et la gamme tzigane. Les deux formes se distinguant dans le fait qu'elle placent différemment les intervalles de seconde augmentée.

La gamme orientale

Les musiques orientales dans leur ensemble offrent une immense variété de modes, généralement inconnus dans la musique occidentale. Mais c'est surtout cette gamme qu'on associe le plus souvent à l'idée d'Orient dans la musique occidentale. En vérité, la gamme qu'on appelle "orientale" n'est qu'un mode stylisé adaptée à la musique occidentale. Car les modes de la vraie musique orientale se structurent sur une échelle en quart de tons. Toujours est-il que c'est cette échelle (popularisée par Saint-Saëns et Liszt) fut celle qui fut le plus largement employée dans la musique classique et la musique de film pour évoquer l'Orient. Cette gamme est une des formes les plus utilisées de l'échelle à double-seconde augmentée. Elle se caractérise par la symétrie de ses deux tétracordes et par ses deux secondes augmentées à l'extrémité de ses deux tétracordes (ré ♭-mi et la♭-si). Do
Re♭ Mi
Fa Sol La♭ Si Do C'est en effet l'intervalle de seconde augmentée qui confère à cette sonorité ses accents pseudo-orientaux. Et c'est à cause de cet intervalle qu'elle est souvent confondue avec le mode dit phrygien
-3
. La différence étant que ce dernier n'est constitué que d'une seule seconde augmentée. (Do Re♭ Mi Fa Sol La♭ Si♭ Do) La gamme orientale a en outre la particularité d'avoir deux sensibles. Une sensible traditionnelle ascendante (Si->do) et une sensible harmonico-modale descendante (Re♭->do). A cause de sa symétrie, le tétracorde supérieur de la gamme peut constituer le tétracorde d'une même gamme transposée à la dominante : Do Re♭ Mi Fa Sol La♭ Si Do Sol La♭ Si Do Re Mi♭ Fa♯ Sol Mais ce mode a pu être aussi utilisée pour évoquer l'Inde. Cette gamme correspondant aussi à un des modes de l'Inde du nord : Le Bhairava qu'Albert Roussel utilise notamment dans Padmâvatî Bizet utilisait aussi cette gamme dans un esprit hispanisant dans son opéra Carmen: le fameux thème du destin.

la gamme tzigane

Exemple sur do : Do Ré Mi♭ Fa
- Sol La♭ Si

Le mode andalou

Exemple sur do : Do Ré♭ Mi Fa Sol La♭ Si♭ Do Intervalles : 1/2 ton - 3/2 tons - 1/2 ton - 1 ton - 1/2 ton - 1 ton - 1 ton Proche du mode de mi, dans la musique traditionnelle, le mode andalou se caractérise par la mobilité de son 3 degré pour éviter la seconde augmentée, mais jouant sur l'expression de son renversement la septième diminuée particulièrement dans un mouvement mélodique descendant. Plus rarement le 7 degré peut passer de sous-tonique (à distance de seconde majeure de la tonique), à sensible (à un demi-ton). On retrouve par exemple le mode andalou dans le ballet L'Amour sorcier de Manuel de Falla ou dans le deuxième thème du Boléro de Maurice Ravel.

Les modes indiens

Voyez l'article swara pour plus de précisions sur les notes de la gamme. Les modes indiens sont étudiés généralement avec le noms indiens des notes ou svara. Par ailleurs, la musique indienne est partagée pour simplifier en deux écoles : la musique Hindoustani dans le nord et la musique carnatique dans le sud. Chacune de ces deux écoles utilise son propre groupe de râga. L'Inde du sud a conservé un système de classification ancien des râga : les melakarta, qui comportent 72 râga. Dans le nord de l'Inde, en revanche, les râga ont été regroupés au sein de dix thâts par Vishnu Narayan Bhatkhande (1860-1936). Un thât est un ensemble de sept notes correspondant aux sept notes de la gamme munies éventuellement d'altérations. Un râga est rattaché à un thât dont il utilise tout ou partie des notes. Il existe 10 thâts : Remarque : les notes en minuscules sont diminuées d'un demi-ton par rapport aux notes en majuscules.

Melakarta

Dans la musique carnatique (école du Sud de l'Inde), on appelle râga melakarta, melakartha, janaka ou sampourna un râga qui comporte les sept svara. Les râga melakarta sont au nombre de 72. Ils sont détaillés sur la page de l'article melakarta.

Vaschaspati

Le mode Vaschaspati correspond en fait à un mode mixolydien dont le quatrième degré serait augmenté. Intervalles: 1 ton - 1 ton - 1 ton - 1/2 ton - 1 ton - 1 ton - 1 ton Ce mode est également connu sous le nom de "gamme Bartok", "lydien de dominante", "mode accoustique", "mixolydien
-11", "IV mode de mineur mélodique".

Les échelles défectives

les gammes pentatoniques

la gamme pentatonique est très couramment utilisée par les guitaristes rock ; elle est constituée comme son nom l'indique de 5 notes. Intervalles : 3/2 - 1 - 1 - 3/2 - 1 Exemple en Mi: Mi Sol La Si Re Mi

Les gammes tétraphoniques

Autre type d'échelle défective parfois employée, la gamme tétraphonique, c’est-à-dire une gamme à quatre sons. Il en existe plusieurs. À l'écoute elle ne sont pas sans rappeler la couleur des gammes pentatoniques. Elles ont été souvent employées dans la musique classique pour évoquer des éléments primitifs ou naturalistes Cette gamme notamment: Si do♯ fa♯ sol♯ a été utilisée par Debussy dans De l'aube à midi sur la mer dans La Mer et par Stravinski dans l'introduction de l’Adoration de la terre du Sacre du Printemps En théorie elle peut aussi être constituée de tierces mineures. Par exemple : Do Mi♭ Sol♭ La Do Ce qui l'apparente directement à une arpège d'accord de septième diminuée. Accord fréquemment utilisé dans des contextes tonaux et modaux. Mais dans ces cas il ne s'agit plus précisément de gammes tetraphoniques. On ne peut donc pas envisager l'emploi de ces accords comme ceux d'une gamme tetraphonique dans ces contextes.

les gammes hexaphoniques

Les gammes hexatoniques, comme leur nom l'indique, sont constituées de six degrés. La gamme hexaphonique la plus célèbre étant la gamme par ton abordée au chapitre suivant. On peut trouver dans le blues ou dans la musique contemporaine des gammes hexatoniques a 6 degrés inégaux. Exemple 1, 5 T - 1T - 1/2T - 1, 5T - 1T - 1/2T Do Mi♭ Fa Fa♯ la Si Do

Les modes artificiels à transposition limitée

La gamme par ton

La gamme par ton est une gamme ou tous les intervalles sont de 1 ton. Exemple sur Do : Do Ré Mi Fa♯ Sol♯ La♯ Do Indépendamment de toute enharmonie, il n'existe que deux transpositions de la gamme par tons. La première part de Do et est vue plus haut. La seconde part de Do♯ et donne, en prenant la même convention que ci-dessus (tous les tons diatoniques représentés à l'exception du degré VII, enharmonies représentées entre parenthèses pour simplifier la lecture) : Do♯ Ré♯ Mi♯(Fa) Fa♯♯(Sol) Sol♯♯(La) La♯♯(Si) Do♯ Toute transposition ramène à l'une de ces deux possibilités, par enharmonie ou non. Par exemple, à partir de Mi, on a un équivalent de la gamme par tons en Do : Mi Fa♯ Sol♯ La♯ Si♯(Do) Do♯♯(Re) Mi A partir de Ré♭, on a un équivalent de la gamme par ton en Do♯ : Ré♭(Do♯) Mi♭(Ré♯) Fa Sol La Si Ré♭(Do♯)

Le mode diminué (ou mode ton/demi-ton)

Le mode diminué est très utilisé en jazz: il correspond au septième mode du mineur harmonique (auquel on ajoute un degré entre le VI et le VII). On peut utiliser ce mode en général sur un accord 7 de dominante (V). Les intervalles sont 1 ton - 1/2 ton mais on trouve aussi le diminué inverse qui est 1/2 ton - 1 ton Exemples : Do Ré Ré♯ Fa Fa♯ Sol♯ La Si Do (Ton - 1/2Ton) Do Do♯ Ré♯ Mi Fa♯ Sol La La♯ Do (1/2Ton - Ton) Ces modes possèdent 8 degrés. au lieu de 7 comme Do majeur. Ils génèrent des tensions supplémentaires très appréciées dans le jazz. Chaque catégorie ne possède que trois gammes car il s'agit d'un schéma répétitif. Toute transposition ramène à l'une d'entre elle, par enharmonie ou non. Do Do♯ Ré♯ Mi Fa♯ Sol La La♯ Do Do♯ Ré Mi Fa Sol Sol♯ La♯ Si Do♯ Ré Ré♯ Fa Fa♯ Sol♯ La Si Do Ré

Les modes microtonaux

Gamme de Ivan Wyschnegradsky

Le mode neutre en quart de ton

Les modes à transposition limités

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